Críticas

Banco de Parque es una de esas obras teatrales capaces de marcar un camino. Un montaje que se resuelve en una experiencia imperdible, con una coloración interpretativa dramática y que constituye una muestra de soberana actuación de sus dos protagonistas, directores y maestros de la escena nacional. 

 

La obra trata de duplicar la realidad en las diferentes escenas; el tema del divorcio, las dependencias emocionales y los celos obsesivos están presentes en sus personajes. La puesta en escena es incoherente y tiene matices del teatro del absurdo, tiene fuertes rasgos existencialistas y cuestiona la sociedad y al humano. A través del humor y la mitificación escondían una actitud muy exigente hacia su arte. La incoherencia, el disparate y lo ilógico son también rasgos muy representativos de esta obra con relación al comportamiento de sus personajes. 

 

La pieza es una rotación simbólica de soledades, falsías, esperanzas desgarradas y pérdidas del sentido, dimensiones que explora con acidez y humor. De igual modo me molesta en esta puesta en escena, la agresividad despiadada del personaje masculino y su fría forma de mentir. Sobre todo “El momento fuerte cuando Vilma es golpeada por Feria”.  Así como algunas cosas notables, en los momentos plasmados en mi mente después de verla, son: donde Vilma se acuesta en el banco, y donde ella se abraza a su pierna para que no se vaya, no tuve momentos de aburrimiento. 

 

La obra forma parte de los momentos memorables de la interpretación teatral en República Dominicana. Está muy bien posicionada en el teatro dominicano, desde su primera función hasta el día hoy, ya que es una obra magistral. Constantemente rompe códigos habituales y no es conformista, sobrepasando las expectativas del público y algunos críticos. En lo concerniente a la parte escenográfica se ambienta en un lugar del parque, hojas de almendro en el suelo, el banco clásico del parque, las luces como retrato de la caída de la tarde. Aparentemente realiza una propuesta sencilla, pero compleja en criterios y fundamentada en la investigación de un proceso de creación de personaje en una relación sincera con la realidad y sus circunstancias.

 

 La forma del espacio es urbano se inscribe en su entorno, es un parque concurrido por personas. En el Teatro Nacional, Sala José de Jesús Ravelo, una sala de teatro a la italiana ubicado en Santo Domingo, Distrito Nacional. El espacio escénico es el escenario de la sala Ravelo, pero los pasillos del área de los asientos son senderos del parque por donde uno de los personajes camina.

 

 En caso de la obra los actores utilizan todo el escenario desplazándose por los diferentes espacios en escena, manifestando un desplazamiento físico separando la interacción entre los personajes, mientras que en otras ocasiones a lo inverso se daba un acercamiento e intercambio de afecto unilateral, sin una correspondencia. Se puede llamar también espacio lúdico, ya que, a través de sus acciones y sus realizaciones de proximidad o alejamiento, sus libres expansiones o sus confinamientos en un área mínima de actuación, los actores delinean los límites exactos de su territorio individual y colectivo. 

Es necesario señalar que da una imbricación de todos los espacios, ya que, se puede describir la acción escénica y el escenario estaba explícito en un solo ambiente destacándose un banco característico de un parque público desnudando el otoño. El espacio permitía una interacción directa entre el escenario y el público envuelto en la escenografía utilizada, siendo el espacio propicio para la representación o el juego escénico, se podía observar una relación armónica, a pesar de ser una escenografía minimalista, que esquivaba respuestas en expectativas. De igual manera se daba una expansión de la acción cautivando al público en los conflictos que se daban entre los personajes. En la misma el personaje de Feria ponía al público en suspenso con sus acciones de inestabilidad. 

 

Dentro del espacio hay armonía. Los elementos de la escenografía presentes son condiciones dadas dentro de la dramaturgia, y van de acuerdo con la situación de la obra. 

 

En cuanto a la relación de lo escénico y lo extra escénico, en un momento de la obra el personaje de Vilma dice que va al baño, pero en realidad sale a revisar el pasaporte de Feria, después sale a usar una cabina telefónica, relacionándose esto con la situación dentro de la escena con constantes justificaciones, la de ir a usar el baño y la de ir a usar la cabina de teléfono, accionando de manera no visible para el público. 

 

El espacio escénico donde se representó la obra de teatro cumple con la descripción del texto dramático, siendo este funcional para la puesta en escena de la obra: Se ven las hojas secas y la parte delantera del banco que son los elementos principales que te dicen que es un parque, esta oculta la piedra, resulta ser un elemento sorpresa, porque es utilería que se usa en determinados momentos, está oculto el lado trasero del banco, también utilizado por instantes; no se ve la cabina de teléfono, porque esta fuera del escenario, en otro lado del parque, así como el baño al que Vilma se dirige. 

La escenografía no tiene una evolución, se mantiene igual durante toda la obra. Solo se observaba el banco de madera, el banco es un punto de reunión, la madera es el elemento cálido, representa la primavera y el crecimiento. Hojas de almendro secas simbolizan el otoño, connotando la época del año, pero también estas hojas reflejan la madurez y edad cronológica en la que se encuentran los personajes.

 

Referente al sistema de iluminación este se utiliza para ambientar y cambiar los horarios del día, empieza con una luz central que refleja la caída de la tarde, para luego cambiar a una iluminación que refleja las lámparas del parque, y con enfoque específicos a los personajes en momentos cruciales de la puesta en escena. Se logra reflejar el pasar de las horas a través de la iluminación, la iluminación cambia en los diferentes estados de ánimo de los personajes, la iluminación siempre acertada en la puesta en escena permitió que los personajes sean vistos todo el tiempo. 

Se utilizan objetos de la vida cotidiana, de forma cotidiana, en casi todo momento, yendo de la mano con el curso de la puesta en escena. Cada uno cumpliendo con su función, vemos cigarros, encendedor, una piedra, cartera de mujer, etc. 

 

Los actores accionan con los objetos de manera cotidiana y con organicidad. Dándose una relación directa con los objetos que sirven como catalizador de las acciones de los personajes y el movimiento de su cuerpo. 

 

En lo referente al vestuario utilizan un vestuario que representa a dos personas de la vida cotidiana, con un estatus social de clase media baja, y una época en específico, pero sin dejar de lado la armonía con respecto a los colores usados y el vestido floral del personaje de Vilma que crea un placer estético, en un momento determinado la Chaqueta de Feria se convierte en un medio que carga utilería. Se apreciaba una relación del vestuario con el cuerpo del actor, estos se veían cómodos con el uso del vestuario ya que se trata de ropa casual, acorde con la época en la que se escribió la obra.

 

María Castillo nos muestra a Vilma a través de la expresión y la gestualidad con carga emotiva, manifestando su soledad. Utiliza un vestido de flores con mayas negras y zapatos de tacón básicos negros, una peluca lacia con corte de la época; trae un maquillaje que resalta su belleza, en un momento de la obra, un cambio que se destaca es el pelo de la actriz que debido a todo lo que pasa se despeina y el maquillaje empieza a verse demacrado por tanto llorar. La destrucción del peinado y del maquillaje, representa la transformación emocional que va sufriendo el personaje de Vilma a lo largo de la trama, en consonancia con los abusos físicos y psicológicos que recibe de Feria. 

 

Manuel Chapuseaux usa gestos, tono y expresión cercana a un típico machista, utiliza un pantalón jeans y una chaqueta de jeans con una camisa y zapatos, el pelo peinado hacia atrás, teñido de color negro, su personaje no evoluciona a nivel de vestuario durante la obra. Los dos personajes están caracterizados a nivel de vestuario basándose en la vida cotidiana de dos personas de la vida común. 

Gilda Matos (2017) María Castillo y Manuel Chapuseaux quienes han experimentado una catarsis actoral como resultado de la formación y años de experiencia en las tablas que les lleva a una aproximación consciente al método de Stanislavski, en su versión más acabada de las acciones físicas; las emociones surgen como resultado de lo que hace el personaje tras el objetivo, sin preocuparse por ellas: “La pequeña verdad de las acciones físicas pone en movimiento a la gran verdad de los pensamientos, las emociones y las experiencias”. La obra es una cátedra de este método.” (Visión del Arte, de Gilda Matos) 

 

Manuel Chapuseaux tiene un excelente dominio de su personaje y de sus movimientos, quien marca su discurso con una caracterización original, añadiendo una dosis de humor al desarrollo, busca a toda prisa conseguir su objetivo utilizando toda clase de mentiras. Da pinceladas mostrando su verdadera personalidad pero solo hasta el último momento de su transformación lo vemos como el ser humano cruel y frio que es. 

 

María Castillo le da vida a Vilma, una mujer esperanzada en encontrar el hombre con el que se pueda contar, y que vuelve a su vida con las mismas mentiras de siempre, representa la forma de ser femenina que justifica su existencia en la casa de un varón que aplaque la soledad. Un personaje que habla en sus miradas, silencios y gritos. 

 

En la obra se da una relación conflictiva en los dos personajes. Un actor se puede relacionar con el otro de forma directa o indirecta, conflictiva o armoniosa, en este caso es directa y se establece mediante varios conflictos. El desplazamiento se da de forma coherente, con movimientos y gestos corporales que precisan la expresión. Lo que expresan los actores se corresponde con la realidad en lo relativo al tema de la violencia de género y maltrato femenino, dándole sentido a lo expresado. 

 

En esta obra el autor ruso Alexander Gelman configura un texto que recoge las crisis en las relaciones de pareja, en la búsqueda de una relación ideal de amor, que se esfuma en desesperanzas y soledades en medio de los roles sociales y económicos que inciden en éstas, los actores encarnan sus personajes y se desdoblan de una manera extraordinaria. Los actores toman distancia de sus personajes. En la puesta en escena se evidencia un alto nivel de identificación del autor con el texto y el papel. 

Se puede evidenciar la calidad de la voz, excelente en cada momento, clara, limpia, utilización de la voz neutra con un lenguaje coloquial. Manuel Chapuseaux en su versión reproduce el habla cotidiana. María Castillo se luce en los matices de su voz. Reproduce la carga emotiva de una soledad insoportable y se aferra a la esperanza de un amor que no lo es. 

 

María Castillo (San Juan de la Maguana, República Dominicana, 9 de octubre de 1959) es una actriz, directora, productora y maestra dominicana con una trayectoria de más de 50 años en las artes escénicas. Es reconocida su experiencia en el teatro y el cine. 

 

Manuel Chapuseaux, es un reconocido actor y director de teatro que ha consagrado su vida a las actividades escénicas. Es de los fundadores del Teatro Gayumba de amplio historial. Chapuseaux, tiene más 45 años de experiencia profesional como director, formador y orientador de numerosos grupos teatrales aficionados y populares. 

 

Ambos son actores muy experimentados, reconocidos, nacional e internacionalmente, esto influye y va de la mano de manera coherente con las propuestas estéticas que estos actores tienen en sus grupos de teatro.

 

En la musicalización, la directora ha sido muy cuidadosa y medida: nada de más, nada de menos. Se escucha música ambiental, desempeñando un papel crucial para dar énfasis a determinados momentos de la puesta en escena. La música en la obra es instrumental, para acentuar momentos trascendentales. Y se acentúa en algunas ocasiones como por ejemplo: cuando Feria golpea a Vilma en el suelo, escuchamos música de suspenso, que genera una atmósfera de tensión e incomodidad en los espectadores, a partir de esto vemos al personaje de Feria como lo que realmente es. 

 

Se puede apreciar en la puesta en escena de la obra el ritmo de algunos de los sistemas significantes. La iluminación y la actualización como ambientación armonizan el escenario. Hay partitura que sirve para inscribir esos sistemas significantes, en este caso se puede apreciar la coherencia de la narrativa visible en los diálogos. 

 

La obra me pareció corta, debido a que la trama me atrapó y me perdí en ella, pero es un espectáculo completo de una hora y quince minutos aproximadamente. En la misma los actores tienen un ritmo continuo a la hora de accionar; durante toda la obra, están haciendo ese algo que permite que el curso de la acción permanezca desde que empieza hasta el final. Los ritmos particulares se articulan de forma suave en la mayoría de los casos y en los momentos de discusión conflictiva tiende a subir el tono. En los diálogos se interponen los ritmos particulares, se puede decir que se intervienen en los momentos de contradicción, ocurriendo mayormente en los momentos de conflictos. En la puesta en escena de la obra se puede ver la transición de los personajes en la interacción que hace posible la comunicación.

 

 Si miramos la historia o fábula a través de la escena, tenemos a un hombre y a una mujer que se reencuentran en un parque, al que han llegado en busca de compañía. Allí se reinicia el drama sentimental de esta pareja, ávida de ternura y comprensión.

 

 La puesta cuenta la misma historia que el texto, a través, de un riguroso realismo cotidiano, Gelman expresa en su dialéctica el desamparo de la sociedad actual. Los personajes son un hombre insatisfecho, inseguro, mentiroso y ella, una mujer divorciada, necesitada de una relación estable que llene su vida. 

Hay una coherencia entre la puesta en escena y la dramaturgia de Gelman. Y la puesta obedece a la función de sus opciones dramatúrgicas e ideológicas, matizando los ideales del autor de la obra. 

 

Se refleja un nivel de ambigüedad al igual que en cualquier texto, ya que, en los diálogos incitan a la interpretación cuando usan términos pocos precisos o con una intención implícita. Quedando una serie de cosas que dejan en incógnita.

 

Siendo algunas cosas claras como aquellas palabras que atan al público a una reflexión que lo hace perderse en la interpretación, trayéndola a un contexto social. Y dialéctica entre lo ambiguo y lo claro, se da, en vista que la visualización del texto puede entenderse como un proceso constante de cambios, que aclaren lo ambiguo u oscuro o todo lo contrario. De cualquier forma, habrá ambigüedades en la medida en que un gesto, una mímica, no pueden reducirse a un solo sentido sino que son polisémicos. Es una realidad palpable cuando la obra es puesta en escena que la ambigüedad se cuela en las expresiones de los personajes de forma implícita, además el teatro en medio de la ficción alimenta la imaginación y juega con los sentidos a través de la caracterización de los personajes. 

 

En la obra los actores cuentan la historia, a través de su cuerpo y voz, encarnando el personaje y haciéndolo parte de él, provocando una simbiosis fraternal que lo une en una vivencia marcada por su forma de ver el mundo. El género de la puesta en escena es el Drama, pero inclinado hacia la comedia. Otra opción puede ser la recreación de un espacio escénico cargado de elementos visuales que atrapen al público y lo lleven a un mundo con otros horizontes y nuevas aventuras, que toque cada parte de las emociones del actor dejándolo como ser reluciente porque muestra su verdad. 

 

La puesta en escena de María Castillo es de una extraordinaria fidelidad al espíritu original de Gelman, toda vez que suya es la traducción y ella conoce bien la esencia de los años en que fue escrita la obra. Es una traducción filológica, donde se contextualiza la obra estableciendo un paralelismo entre dos épocas hermanas por los mismos acontecimientos referenciado en el tema central de la trama que da vida a la dramaturgia empleada. En otro orden desde hace unos 35 años Banco de Parque, obra del dramaturgo ruso Alexander Gelman, forma parte del repertorio teatral dominicano, gracias al buen gusto de la teatrista dominicana María Castillo quien después de traducirla la puso en escena. Le concede un lugar preponderante, invitando a la lectura de este, además de impregnarlo con las emociones de los personajes. 

 

Según la apreciación del texto, es obra bien valorada. Es importante su valoración por parte de personas que lo han leído. Entre el texto y la imagen (oído y ojos), hay una relación directa, ya que, el escenario proyecta un mensaje claro para que se relacione el titulo con el espacio escénico. El texto se apega a la imagen escénica de forma directa, estableciendo una relación entre la percepción visual y auditiva, ya que la actuación de los personajes armonizaba todos los elementos sustanciando la puesta de manera integradora. 

 

El escenario me pareció adecuado para la presentación de la obra y una adecuada distanciación entre público, personajes y espacio de desplazamiento. La institución teatral en la que se sitúa esta puesta en escena es el Teatro Mandrágora, bajo la direccion de Maria Castillo. 

 

Banco de Parque cumplió todas mis expectativas, no conozco el texto, pero de acuerdo con mis investigaciones la propuesta de María Castillo sigue fielmente el texto de Gelman y solo lo traduce al español dominicano. Conocía la escenografía por imágenes vistas de la promoción, conocía a Chapuseaux, lo había visto actuar y recibí un taller de actuación con él como maestro, en San Juan de la Maguana, estaba consciente de las capacidades de Chapuseaux como actor, pero no conocía a María Castillo y me sorprendí de manera satisfactoria al ver a tan poderosa mujer en escena, actuando y como directora de esta propuesta.

 

Para mi apreciar este espectáculo fue totalmente gratuito, como

estudiante de Teatro de la Facultad de Artes, me obsequiaron

boletas, con el compromiso de asistir a ver esta magistral obra.

Sin embargo, queda implícito que lograr una obra como esta

se requiere de una inversión considerable. La misma se considera

una obra apta para todo público adulto, sin necesidad de

tener un conocimiento previo del tema para comprenderla. 

 

La reacción del público en general es de manera positiva, valorando

la obra de forma favorable, ya que  los lleva a relacionarla con la

situación actual y la lucha en la sociedad y la denigración del sexo

femenino por parte de los hombres machistas. Mi reacción

personal corresponde con la del público, reí, me molesté,

me dieron ganas de llorar y sentí la tensión en la sala cuando

Vilma era golpeada por Feria, despertó en mí el sentir poniendo a

vibrar mi pensamiento, quedando cautivada al igual que el público

por esta maravillosa puesta en escena.

 

 El público se convierte en el ente motivador para

que los personajes se sientan más comprometidos y

se entreguen en su actuación, dándolo todo en cada escena.

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Se aborda un tema que invita a grandes cuestionamientos en lo social, y encarna la realidad de la sociedad dominicana. Se abre el abanico de posibilidades, ya que cada integrante del público tiene la oportunidad de sacar sus propias conclusiones. 

 

Aquel banco en un parque con ella sentada junto a él, enlazado con juego de palabra que evidencia el maltrato. Dentro los elementos o pasajes que detonaron especialmente mi sensibilidad, están, la forma como él le hablaba, hiriendo sus sentimientos, y ella, sacaba de dentro la dureza que contrarrestaban su vergüenza. 

 

Dentro de las imágenes que se me quedan del espectáculo está la imagen de Vilma cuando se recuesta en el banco para hablar con él, y cuando Vilma se sujeta con fuerza de su pierna, para que él no se vaya, a pesar de él haberla maltratado. Es una obra muy emotiva, salpicada de conflictos entre parejas que pueden terminar en grandes discusiones, por diferentes situaciones que afronta el ser humano. 

 

Si quisiera conservar este espectáculo lo filmaría, tomando en cuenta cada detalle desde diferentes ángulos para que no se pierda ningún detalle. Usando varias cámaras para abarcar desde lo general hasta los detalles particulares que embellecen la puesta en escena. Tomando en cuenta el mensaje que deja la obra y la necesidad de sensibilizar a la sociedad a través del teatro. 

 

La atención del espectador por la puesta en escena se manipula, entregándole una buena actuación que toque el sentir de cada uno, provocando un antes y un después de ver la obra con emociones favorable que le ayuden mejorar sus actitudes y tratar mejor al prójimo.

 

La obra puede provocar serenidad y concentración de acuerdo con la manipulación de los diálogos, y la fluidez de las palabras en el tono adecuado y la expresión corporal en cada movimiento. De igual manera se puede provocar el efecto contrario a través de la exaltación del tono de voz y provocación con insultos entre los personajes.

 

 Se da el manejo del lenguaje entre los personajes, en un tramo expresivo que envuelve a los actores en un mundo tal vez conmovedor donde se requiere escuchar y ser escuchado. 

 

En la obra hay objetos y elementos que no se pueden reducir a signos, como la emoción que empapa cada palabra y la ternura que se quiere dar de forma forzosa, no bien recibida, lo cual deja toda una brecha en el pensamiento del público, ese lado no tematizable es un problema mío o algo que la puesta no permite que se transforme a signo, ya que, ese lado es el que sustenta el conflicto y da luz a las reacciones emotivas entre los personajes y el público. 

 

La puesta en escena es una obra completa, en dramaturgia, estructura escénica, simbología, caracterizaciones, escenografía, es decir en todos sus componentes, muy rica en esencia, por lo que para mi como espectadora alcanzó ese sentido que le da razón de ser al teatro.