DIARIO REFLEXIVO SOBRE LA MATERIA EXPRESIÓN ESCENICA

Por: Yiliana Del Rosario, Estrella Segura, Elisbel Guzmán, Chernichevski Reyes, Nayely Valenzuela, Loanmy Matos, Luz Nery Troncoso, Jhoao M. Potrazo, Fabel Figueroa, Luis Daniel Sánchez, Nicole M. Sosa M.

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1. Preparando El Cuerpo Para La Máscara.

Esta primera etapa se basa en hacer una transición del cuerpo ordinario al escénico del actor en la cual se estimula el impulso orgánico como primer ejercicio para iniciar la preparación.

Se procura mediante ejercicios dinámicos crear un estado de alerta en el cuerpo, esto ayuda a que nuestra máscara pueda estar en contexto con el espacio escénico e incluso con la reacción del público, ya que la máscara siempre está consciente de que el público está ahí ante su acto, esto crea una conexión con los espectadores y abre también un espacio a la improvisación permitiendo al actor desarrollar su creatividad y capacidad de acción en el escenario.

En la preparación del cuerpo para la máscara también es importante tener en cuenta la respiración ya que esta proyecta la vida que tiene el personaje en la escena. Sabemos que ella se adapta a nuestras necesidades, a lo que hacemos y sentimos, por eso el ritmo y la energía al respirar será muy distinta para cada máscara o para cada situación donde esta se manifieste. Debe ser una respiración evidente.

1.1. Cualidades del movimiento

Las calidades de movimientos procuran adiestrar a los alumnos a crear corrientes o desplazamientos creativos combinando los factores: tiempo, espacio, peso, intensidad e imaginación. Además, la misma incorpora seis calidades de movimiento que hace viable el proceso ingenioso en los ensayos, sin embargo, resultan de la combinación de los movimientos, así como el directo, el cual comienza y termina claramente. Luego, el movimiento indirecto el cual se contrapone al directo, este se mantiene en un aura de constante cambio sin final. Después, el movimiento súbito, se produce de un momento a otro sin preparación o aviso, finalmente el movimiento sostenido o relajado realizado con una intención suave, pero conservando perpetuamente una velocidad incesante.

Por otra parte, entré esas seis calidades de movimientos en las cuales nos introducimos con la ayuda de la pedagogía del maestro, se encuentra:

Calidad de movimiento suave: nosotros los alumnos partimos de imagen como el movimiento del astronauta, además la mirada de los enamorados y la mirada del bobo. Desde luego, explorada sensación, sin antagonismos, suaves y de manera indirecta. He buscado la sensación de flotar hasta con la mirada.

Calidad de movimiento retorcernos adentramos a la imagen de la toalla que se retuerce para exprimirla y luego pasar esa sensación a todo el cuerpo. Nosotros los alumnos somos la toalla. Este movimiento se lleva a cabo de manera suave con antagonismo e indirecto. Además, con la mirada malvada y retorcida.

Calidad de movimiento presionar: Los alumnos con el inconsciente nos introducimos a las imágenes de presionar cartón en todas las direcciones con todas las partes del cuerpo. Movimiento directo, sostenido. Fuerte. Con antagonismo.

Calidad de movimiento sacudir: Nosotros los alumnos buscamos imagen sacudirse bichos de nuestro cuerpo. Con movimientos súbitos, suaves e indirectos, absorbe hasta un comportamiento humano preservando la sensación hasta en la mirada de asco y sufrimiento.

Calidad de movimiento deslizar: Nosotros buscamos esa imagen de quien tiene el control mezclado con la paciencia. Además, la imagen desliza como azafata de avión. Aquí se unen los movimientos directos, sostenidos y suaves reduciendo el movimiento hasta buscar el humano. Manteniendo las emociones en el cuello, en los ojos.

Calidad de movimiento teclear: este movimiento se lleva a cabo con la imagen tocar piano o máquina de escribir en conjunto del movimiento directo, súbito, suave. Movimiento sin antagonismo.

El movimiento como resultado de la actividad corporal, constituye en otro de los elementos de la conducta motriz, en este caso de la expresiva, no obstante, La aparición del movimiento permite la presencia de movimientos y evoluciones que en sí mismo, muestran distintos significados expresivos: el paso de una postura a otra se hace mediante el movimiento; y como ya se lo pueden imaginar el movimiento en expresión corporal puede abordarse de distintos puntos de vistas: se trata del descubrimiento personal de los factores básicos del movimiento , principalmente del control tónico y en consecuencia del control del equilibrio, coordinación motriz… y en especial de la respiración..

Finalmente, la calidad de movimiento retorcer, presionar, sacudir, deslizar y teclear. Se busca a través de imágenes distintas, imágenes con objetivo diferente. Aunque, existe una pregunta clave que guarda relación con las ocho cualidades ¿Quién ve la vida a través de esos ojos? Estos ejercicios de calidades de movimiento nos ayudan a descubrir un lenguaje corporal maravilloso verosímil y en función de la creatividad artística en el mundo del arte teatral.

2. La caminata neutra

La Caminata Neutra nos está destinada a preparar el cuerpo para la máscara expresiva, consiste en obtener una caminata sin ningún tipo de movimiento ya que eso podría darle una historia a la máscara y la máscara se vería viva. Se trata de caminar de manera completamente neutra.

2.1. La Mirada De La Máscara Neutra

La máscara neutra tiene que ser un lienzo en blanco, pero a su vez debe transmitir todos los sentimientos del actor a través de la mirada. Los ojos, aparte del cuerpo, son el recurso más importante de esta, ya que son los que se encargan de conectar con el público y de transmitirle a estos sus emociones, independientemente de cuáles sean estas.

Uno de los primeros ejercicios de máscara neutra en este curso fue un ejemplo de esto. Al no poder hablar, nuestros únicos recursos eran el cuerpo y la mirada. En este, el objetivo es conectar con los espectadores, buscar la mirada de estos. Específicamente, el ejercicio consistía en seguir una secuencia: despertamos y mirábamos, saludamos al público mientras los observábamos (tristes, asustados, desconfiados, enojados, felices, somnolientos…etc.), les transmitimos a través de los ojos.

El hecho de que los ojos se usan para transmitir no significa que estos deban tener una expresión siempre, en algunos momentos se debe tener una mirada neutra (vacía, sin emociones) ante el público.

3. Máscara Expresiva

Para iniciar con el trabajo de las máscaras expresivas, es necesario crear una consciencia de la presencia de las mismas. En el aula se prepara un ambiente sereno, de compromiso, enfoque y respeto colocando todas las máscaras en un altar, así al momento de pasar para la selección poder sentir el llamado de cada una hacia el actor.

Luego de recibir el llamado de la máscara empieza el proceso de conocer su historia e ir ofreciéndole cosas para que ella se manifieste. Para ello, es necesario crearle altares con ofrendas que le hace el actor y la máscara va determinando con que se queda. Del mismo modo, es necesario también que el actor prepare su cuerpo con diferentes ejercicios como los de mutación que permiten identificar qué cosas eran útiles y que iban con el cuerpo de la máscara. Otros como el de serpiente, que permite explorar sensaciones, diferentes formas corporales y poder ver con cuáles de esas se siente a gusto la máscara. En ese orden, es necesario que el actor adapte una respiración acorde a su máscara, una caminata, y entre otras características que aporten a darle vida a la misma.

Con el fin de que el actor siga construyendo su máscara, es también necesario presentarse frente a un espejo con la máscara para comprender que esta tiene su vida propia y solo se manifiesta en el cuerpo del actor. Luego, el actor es capaz escribirle una fábula a su máscara a través de la información que las mismas brindaban después de ejercicios de construcción. Algunos ejemplos de estos son las calidades de movimiento como deslizar, teclear, golpear, sacudir, flotar, etc. Estos con el fin de identificar cuales se adecuaban a la máscara y ver si estás funcionaban.

Con la fábula el actor crea partituras de acciones que le dieran sentido a la historia, mostrando la máscara con acciones que la representen y con un mínimo de improvisación.

DESARROLLO DEL COMPORTAMIENTO / MÁSCARA EXPRESIVA

Al venir la máscara con su propio pasado, el actor no puede imponer una historia ni cierto tipo de comportamiento en ella, simplemente tiene que dejarse fluir y preguntarle que le gusta. Cuando le preguntamos si le gusta hacer ciertas acciones la máscara nos responde haciendo saber si se siente cómoda o incomoda con las acciones.

Ejemplo: Si caminamos encorvados nos hace sentir incómodos esa no es la personalidad de la máscara o si tiene una actitud alegre o arrogante; puede que se sienta cómoda sosteniendo una copa o tal vez aborrezca a las personas.

Cada una de esas cosas se van identificando, puede ser con ayuda de un compañero y/o mirándonos al espejo, cuando el público conecta, es decir, reacciona a lo que hace la máscara sabemos que nuestra máscara está viva, tiene una personalidad y un pasado.

DEMOSTRAR LA HISTORIA DE LA MÁSCARA

Cuando el actor ya ha convivido con su máscara, sabe las cosas que le funcionan, le gustan y cómo se comporta llega el momento de crear una historia que hable de la máscara, pero que no solo se quede en palabras escritas, sino que esa historia pueda ser visible en las acciones de la máscara.

Ejemplo: Si escribimos que es amigable y le gustan los niños tenemos que saber el porqué de esas acciones, se puede decir que era porque tenía hijos. En una acción de que pase un niño y la máscara se pone triste, también se explica el porqué de eso, decimos que sus hijos se fueron y la dejaron, murieron o cualquier otro evento que dé las razones al comportamiento.

Algo fundamental en este proceso es que toda la historia pueda ser entendida sin hablar, porque "no todas las máscaras hablan". Se debe de expresar con el cuerpo todos los sentimientos y que sean entendibles por el público, porque podemos estar pensando en eso, pero los demás no estén entendiendo lo que está pasando.

Cuando se realiza el procedimiento de forma correcta terminamos con una máscara llena de vida que sin necesidad de mucho pudo transmitir su historia y ser entendida.

4. Ritmos Corporales

La práctica de los distintos ritmos vitales consigue que tengamos un cuerpo activo, atento, vibrante y dispuesto al juego teatral, y además se activa la capacidad para desarrollar con más creatividad los personajes. Estos son algunos ritmos:

Ritmo continuo: Para abrir la zona pectoral, movemos con ritmo y de forma fluida los brazos, haciendo formas agradables, abiertas y que no tengan ni principio ni final. El ritmo puede tener distintos tipos de dinámicas (lenta o rápida).

Hacemos que el movimiento llegue hasta las manos, abriéndonos en el espacio infinito y jugando con la energía que se expande.

Asociación: Estos movimientos recuerdan a las bailarinas de ballet.

Ritmo percutido: Con ritmo percutido, damos pasos, corremos y saltamos a tempo, creando un ejercicio de dinámica percutida. Llevamos el ritmo con los pies, creando distintos juegos instintivos y tribales, levantando y bajando piernas, pero siempre con la fuerza de la pelvis conectada con los pies y el suelo.

Asociación: Estos movimientos recuerdan los ritmos que se crean a partir de afables y de tambores..

Ritmo desenfrenado: Con ritmo desenfrenado, sacudimos el cuerpo de forma inesperada, moviendo pies, pelvis, brazos y cabeza, sin formas, ni límites. Nos dejamos llevar por la música y la espontaneidad. Podemos caernos al suelo, saltar… ¡Todo está permitido!. Incluso podemos dejar ir la voz. Se trata de hacer ejercicios salvajes en todas las direcciones, practicando todos los movimientos.

Asociación: Estos movimientos a contratiempo no exigen una simetría específica. Podemos casi definirlos como movimientos esquizofrénicos.

Ritmo ligero: Con ritmo lírico, practicamos el ritmo 123, 123, 123, adelante, atrás y en distintas direcciones, creando frases de movimiento variadas. Podemos crear bailes de pareja a ritmo de vals, a ritmo de tango… Se trata de conseguir, a través de juegos formales e informales, la intercomunicación entre el cuerpo, el ritmo y el espacio.

Asociación: La sutileza de estos movimientos coordinados recuerda al vals y los bailes de salón

Silencio: El ritmo silencio resulta de haber pasado por todos los otros ritmos: continuo, percutido, desenfrenado y ligero. Estos salen y se expresan de una manera espontánea, haciéndonos sentir fluidez, musicalidad y presencia.

A tener en cuenta:

• Estos ejercicios sirven para equilibrar el estado físico, psíquico y emocional.

• Se tiene que dejar que cada quien juegue y experimente con su propia creatividad.

• Improvisa con los ritmos, buscando dinámicas más rápidas y otras más lentas.

• Observa que cuando cada quien encuentre su propio ritmo, tiene una comprensión de la acción teatral.

• Al finalizar con los ejercicios, se adquiere una mayor capacidad para desarrollar con más creatividad sus personajes.

FORMAS CORPORALES

Forma Abierta:

La forma abierta es un movimiento corporal que se utiliza en lo que es la actuación, la danza Y la vida cotidiana. Tanto con los brazos como con las piernas. Se trata de abrir los brazos y desplazarse por el espacio moviendo los brazos y las piernas abiertamente, incluso se pueden imitar movimientos de animales o acciones con esa forma. Por ejemplo: una ave volando comienzas a alterar con los brazos de arriba hacia abajo y de talante hacia atrás y viceversa, también puedes representar alegría y extrovertido.

Forma Cerrada:

La forma cerrada puede expresar sentimientos, se trata de cerrar tu cuerpo, bajas la mirada, hombros hacia delante y piernas juntas. Se puede expresar timidez, tristeza, vergüenza, miedo, debilidad, entró otras cosas.

Forma Circular:

Está forma se utiliza más con el cuerpo completo pero a la vez con diferentes partes del cuerpo como con la pelvis, el torso, la cabeza y los brazos. Se trata de hacer movimientos circulares con el cuerpo. Incluso puedes imaginar que eres un objeto, también puedes imaginar que estás jugando con un objeto. Por ejemplo: un aro que lo tienes en la cintura y empiezas a mover la cintura en forma circular para que el aro no se caiga, el aro te lo puedes poner en la cintura, el cuello, los brazos y las piernas.

Forma Recta:

En esta forma es cuando estás firme, puedes estar regañando o aconsejando a alguien y lo señalas con un dedo y le hablas fuerte y recto, también puedes caminar tirando los brazos y los pies para adelante y siempre con la mirada al frente. O puedes simular que eres un robot y hacer y hacer movimientos siempre rectos como los robots.

Forma Pendular o Balanceo:

Está forma puede representar sentimientos, objetos y acciones. Ejemplo, una persona enamorada que está embobada se balancea de un lado a otro una persona que está pensativa. También en algunas iglesias alaban a Dios balanceando los brazos y el cuerpo de un lado a otro o puedes imaginar que eres un columpio que se balancea de amante hacia atrás.

Forma de Rebote:

Esta forma se puede utilizar como imaginar que eres un objeto o expresar un sentimiento. Ejemplo, imagina que eres una pelota de basquetbol que está rebotando en el piso o puede ser una persona que está desesperada, inquieta, por coraje, felicidad, bailando y haciendo ejercicios.

Forma Vibratoria:

La forma Vibratoria se puede simular ser un objeto como un juguete que vibra o una persona digamos que esté intoxicada y empiece a vibrar en el suelo y a salirle espuma por la boca, también vibramos cuando tenemos mucho frío o miedo que vendría siendo lo mismo que temblar. Como en mí caso que hace dos semanas tuve una crisis y estaba temblando con la cabeza.

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Opinión Personal

Yiliana Josefina Del Rosario Rodríguez

Esta clase me ayudó a ver lo lindo que es este lado del teatro que son las máscaras y no solo eso, sino que también la pasión que conlleva para poder sentir, entender y transmitir, poder conectar con las personases un arte y hacerlo con una máscara es algo aún más hermoso. Me llevo conocimientos para mi vida personal y para mi carrera. Aprender a expresar sentimientos sin con nuestro cuerpo sin la necesidad de hablar es algo maravilloso y fundamental para esta carrera, en lo personal me gustó bastante y aprendí mucho.

Estrella Segura

Para mi esta fue una experiencia inolvidable e inigualable. Es muy bonito poder conocer tanto de temas que desconocía por completo y compartirlo en conjunto, donde se ve más la colaboración de cada alumno y opinión de los mismos. Esta sin duda alguna es una materia de mucha importancia puesto que pone en práctica los procesos técnicos y creativos de cada persona, para así abordaren lo que es la actuación desde el uso de la máscara como también la auténtica utilería que conlleva cada intérprete. Cabe mencionar también que es muy importante saber que todo eso se apoya en la preparación física y emocional de cada acto, claro está, para la preparación de la máscara expresiva, neutras y la introducción de la máscara de la comedia del arte.

Elisbel Guzmán

A través del desarrollo de los temas implicados en esta asignatura he aprendido sobre un sin número de detalles de suma importancia para el desarrollo expresivo en el espacio escénico, como que la expresión en nuestra cara es también importante cuando llevamos la máscara puesta, ya esto nos permite darle un sentido más real a las expresiones de nuestro cuerpo las cuales derivan de esta.

También aprendí que las máscaras neutras están abiertas a que el actor cree una historia y a través de ella pueda expresarla mientras que las máscaras expresivas llevan consigo su propia historia y es el actor quien debe adaptarse a actuar como la máscara lo desea, además, es sumamente importante que nuestras acciones corporales sean limpias y específicas ya que esto permite que el público entienda lo que estamos transmitiendo, en nuestro acto el protagonismo debe tenerlo nuestras acciones y no las palabras.

Chernichevski Reyes

“Esta asignatura me ha despertado a la conciencia del cuerpo. Al compromiso de cada movimiento y la acción. Usar el cuerpo como herramienta para la expresión escénica y para construir diálogos no verbales”.

Nayely Valenzuela

Esta clase para mí ha sido toda una experiencia, un viaje de aprendizajes maravillosos, donde he aprendido a comprometerme con la máscara emocional y físicamente expresándome con acciones y no tanto con palabras. Han sido increíbles los ejercicios que hemos realizado para llegar hasta aquí y entender porque han valido la pena, porque gracias a ellos pude desarrollar una gran conciencia del cuerpo.

Le doy las gracias al maestro por ser tan dedicado y guiarnos a sacar lo mejor de nosotros. Me quedo con todos esos conocimientos y espero seguir poniéndolos en práctica.

Loanmy Matos

Esta asignatura ha sido una experiencia única, que me ha llevado a conectar conmigo misma a nivel corporal y a conocerme más como intérprete. Fue una experiencia mágica el poder trabajar con máscaras, fue divertido pero a la vez exigente, siento que esto me ha hecho ser más crítica conmigo misma y me motiva para seguir esforzándome. A parte me ha ayudado a comprender un poco más el proceso de preparación de un personaje como tratamos con la máscara expresiva. Salgo de esta clase con un montón de herramientas y conocimientos, que ansío poner en práctica.

Jhoao Potrazo

Expresión escénica 1 es para mí un encuentro de conocimientos y un adquirir muchos otros nuevos. Fue la única materia del cuatrimestre que me hizo ver el teatro como verbo (lo que realmente es para mí) y no como un coloquio. Inteligentemente rechace consejo que no me van a servir para definir mi estética teatral a la hora de construir el hecho escénico, pero me llevo conmigo el trabajar con máscara, lo emocionante que es, lo lindo que es ver ese trabajo en la escena y lo retador que es para un actor hacer un trabajo con máscara (retador para ese actor que le encanta ser visto, que vive para ser la figura).

Alejandra Veras

Esta asignatura me ha sorprendido mucho ya que al principio no me gustaba la idea de tener que llevar puesta una máscara, luego de ver todas las cosas que se pueden lograr y de ver la obra de André y domine me ha fascinado la máscara expresiva y estoy agradecida por todos los conocimientos que eh recibido en esta materia.

Luz Nery Troncoso

En lo que va de semestre he aprendido bastante cosas que no sabía y hay otras de las técnicas que utilizamos que las aprendí el semestre en “Expresión” como los ritmos y formas corporales. En esta clase aprendí bastante de las máscaras neutras y las expresivas. Las neutras son máscaras para preparar el cuerpo del actor, aprendí como preparar el cuerpo para la máscara expresiva, la respiración de la máscara, la mirada y caminata neutra, buscar la mirada del público tipos y cualidades de movimientos, aprendí que te das cuenta de cómo es la máscara cuando la tienes puesta y entiendes lo que hace, porqué lo hace y le puedes crear una historia. Este semestre tuve la oportunidad se tomar clases virtuales y así poder tener las máscaras puestas y que mi máscara interactuar con las demás una experiencia increíble y hermosa.

Fabel Figueroa

Puedo decir con total confianza y seguridad que mi opinión sobre la clase ha cambiado radicalmente desde la primera vez que nos encontramos.

Si mi memoria no me falla en nuestro primer encuentro usted se tomó la libertad de preguntarnos sobre qué nos había parecido aquel primer encuentro, nos pidió responder con una palabra, y la que utilicé fue “Maravillosa”. Hoy debo arreglarlo, y más que cambiarla, sería añadirle.

Luego de estar inactiva desde el 2018 de mi carrera por asuntos personales, no miento cuando digo que tenía un terror infernal y hasta los huesos cuando supe que la primera clase que tomaría para retomar la universidad sería -Expresión escénica con el maestro Claudio Rivera-.

Tuve miedo de fallar, haber perdido el toque de la actuación y más que nada, tenía miedo de usted y de no ser lo suficientemente buena para un maestro de tal postura como lo es usted. Y aún tengo ese miedo.

Sin embargo, en el trascurso de éste semestre he podido observar que no es en vano que lleve el título de maestro, y yo añadiría líder, porque más que mandar, usted enseña con amor, disciplina y diversión, que debo decir son tres cualidades que no muchos poseen hoy en día.

Expresión escénica es un reto para cada alumno que vaya a tomar las clases, pues yo en mi modo ignorante anterior pensaba que actuar sólo se basaba en hacer muecas con el rostro, olvidando completamente la utilidad, movilidad e importancia y relevancia de nuestro cuerpo para darle una coherencia a nuestros actos.

Aprender de la máscara neutra fue un reto totalmente nuevo para mí, ya que, tuve que perderme como actriz para que renaciera la máscara y darle su espacio y oportunidad de brillar.

Con miedo, lo hice, y aunque tuve mis fallas y momentos de caída puedo reconocer que lo he hecho bien, y puedo mejorar con práctica y empeño.

Pero sin duda alguna, mi mayor reto es y siempre será la máscara expresiva, pues, entendí que ella nos escoge con el propósito de contar sus tantos miles de historias y vidas dadas para que el público las conozca y las ame, o bien las odie, nunca sabremos.

Traer a “Juan Luis”, mi máscara a la vida, ha sido lo más retador que me ha tocado como actriz. Sin embargo, también ha sido lo más bello, pues conocí y entendí sobre alguien que quería darse a conocer y sacar lo que consigo llevaba.

Expresión escénica a significado para mí un renacimiento total y completo para mi carrera en el teatro, porque aún más que movimientos corporales es aflorar cada sentimiento desde adentro y que el público los sienta fuera.

Al finalizar esta materia reafirmo por qué amo tanto el teatro, pues gracias a ella, podré vivir cientos y cientos de vidas en una sola, pero más que nada, hacer reír, llorar, sufrir, saltar a un público que espera ansioso conocer la historia detrás de cada máscara, personaje, actor, o actriz.

Comprendí que perderse siendo actriz para que la máscara viva es de los mejores sentimientos y momentos que se podrá vivir, porque por un momento mueres tú, pero vive alguien más y totalmente diferente en ese instante.

Así que maestro, si usted me vuelve a indicar que defina la materia, un encuentro, o toda la clase en una palabra, o en mis propias palabras, no sólo diría que es y fue maravillosa, sino también refrescante, fue un cóctel total de emociones vívidas, abrumador pero satisfactorio con un final prometedor y bellísimo para cada estudiante.

Una misma práctica, pero una enseñanza diferente para cada uno de sus estudiantes.

En el mío, fue una mejor de recordar las cosas maravillosas que podemos hacer con disciplina, empeño, carácter y mucha pasión.

Luis Daniel Sánchez

Siento que fue un proceso maravilloso. Una etapa en mi formación que nunca voy a olvidar; y sé que con el tiempo se enriquecerá. Me fascinó cada detalle de la asignatura y las creaciones hechas por mis compañeros. Expresión Escénica I, le permitió a mi cuerpo en conjunto con la mente trabajar con la máscara neutra y expresiva. Me encantaron las herramientas utilizadas por el maestro para introducirnos en la cosmovisión de la máscara. Por otro lado, soy capaz de definir esta clase en dos palabras: creatividad y magia.

Nicole Marie Sosa Méndez

Hacer viajes a otra ciudad para tomar clases presentaba un gran reto en mi vida. Pensaba que quizás no encontraría motivación suficiente de viajar tantas veces a unas clases. Sin embargo, tengo el honor de decir que esta materia me ha devuelto las ganas de vivir al 100% y luchar por mis sueños. En cada clase encontré una Nicole y una persona diferente, descubrí que no tengo límites para explotar toda la creatividad y magia que vive dentro de mí y sobre todo, descubrí inspiración en mi maestro, quien hoy veo como una figura importante en lo que ha sido y significado mi carrera como actriz. Al profesor Claudio Rivera lo llevo en la mente diciendo “posición neutra” o “máscaras fuera” pero, me llevo entere los recuerdos más relevantes la oportunidad que me brindó de vivir en el cuerpo de otra persona. Mi reto más grande hasta el día de hoy como actriz ha sido convertirme en un chico de 16 años, y todo fue posible por tomar la decisión de entregarme a una máscara. Mi respeto hacia el teatro solo aumenta y el amor a las historias que son contadas en un escenario son motor para seguir descubriéndome como actriz. Que la vida me siga colocando materias tan inspiradoras, bellas e impresionantes como esta.